ЗАБРАКОВАННОЕ ИСКУССТВО

12 сентября в галерее М’АРС открылась выставка «Брак». Куратор выставки, Владимир Логутов, так объясняет ее идею: «На протяжении всего двадцатого века, и особенно во второй его половине, идея ценности технологической ошибки в процессе производства искусства обсуждается довольно часто. За счет случайных ошибок и выявленных погрешностей, можно наблюдать возникновение новых эстетических свойств… В связи с этим «брак», как отход от «нормы», можно считать залогом свободы, одной из дверей конформистской культуры».
Эти сами погрешности, выставленные в залах галереи, носят разный характер – где-то это действительно случайные ошибки, допущенные художником или фотографом при работе, где-то идея неправильности была изначально заложена. Более того, она и является основной идеей самого произведения. Вот, например, Диана Мачулина выставила свой объект «Исчезновение», который представляет собой обычную металлическую линейку с пропущенным восемьдесят первым сантиметром. Сергей Кравченко представил серию фотографий «Псевдоискусство». На них представлены очень сомнительного качества копии знаменитых произведений искусства, размещенные в чьих-то обшарпанных квартирах, прикрывающие ржавые батареи и разбитые окна. Глаза режет этот резкий диссонанс, неправильность и нечестность, которые проявляем мы по отношению к искусству. С этой точки зрения серию можно было бы назвать и «псевдопричастность».
Отдельный зал выставки посвящен серии «Полезные советы фотографам» Иварса Гравлейса. К каждому совету прилагается две иллюстрирующие его фотографии – выполненная правильно, следуя совету, и неправильно. Фотограф с большим чувством юмора подошел к этой работе. Среди вполне реальных и наверняка полезных советов начинающим фотографам наталкиваешься на что-нибудь вроде «Перед тем как начать фотографировать, не забудьте снять крышку объектива» или «Лучше снимать облака, когда они есть». С совершенно иным настроением мы сталкиваемся в фотографиях Екатерины Прохоровой «Окна-двери». Автор представил целую серию фотографий заделанных, забитых дверей и заложенных окон. Двери, никуда не ведущие, ложные окна, заколоченный решеткой эвакуационный выход – здесь запечатлены безысходность, безвыходность, в буквальном смысле этого слова.
Такие разные интерпретации темы выставки и составляют основной ее интерес. Действительно, было бы несколько странно ожидать от выставки с названием «Брак» каких-то невероятно качественных произведений искусства. Выставка эта в первую очередь идейна, в чем несомненная заслуга не только самих художников, представленных на выставке, но и ее куратора. Начиная с брака в искусстве, выставка постепенно приходит и к идее несовершенства человека и неправильности нашей жизни вообще. И заслуга художника как такового, состоит в том, что именно он может этот брак нашей жизни увидеть, запечатлеть и показать нам. И наше уже дело, как его воспринимать – как забавную оплошность или как непоправимую ошибку.


Елена Верховская,
(с) http://www.artmarin.info/, 14.09.2007.

БРАК КАК ЗАЛОГ СВОБОДЫ

Выставка проходила в Центре современного искусства «М'АРС», а ее куратором выступил самарский художник Владимир Логутов. Экспозиция получила название «Брак». Как можно догадаться, работы авангардистов не были посвящены семейным узам. Слово «брак» художники взяли за основу в значении «погрешность, ошибка». Владимир Логутов, задумывая выставку, апеллировал к фразе Теодора Адорно из его «Эстетической теории»: «Истинно только то, что не подходит этому миру». Через все произведения экспозиции проходит идея о том, как искусство движется через «брак, ошибку». И как посредством этих погрешностей, случайных или преднамеренных, возникает новое эстетическое качество. Получается, что брак, как отход от общепринятых норм, можно считать своеобразной творческой свободой.
Выставка в «М'АРСе» собрала порядка 20 участников из Москвы, Самары, Тольятти, Саратова и Праги, поэтому она имела статус международной. Тольятти представляли члены творческого союза художников «Солярис» Александр Верёвкин, Михаил Лёзин, Вячеслав Смирнов и Екатерина Прохорова. Примечательно, что только Александр Верёвкин и Михаил Лёзин представили на выставке «рукотворные произведения». Остальные художники отдали свое предпочтения цифровой фотографии.
- Это связано с тем, что сегодня люди просто не хотят работать, - уверен Александр Верёвкин.
Открытие «Брака» состоялось в весьма символичный день - 11 сентября, а продлилась экспозиция 15 дней. Вероятно, что у тольяттинцев будет возможность оценить «бракованные» произведения этой осенью.


tlttoday.ru, 08.10.2007

КУДА УЛЕТАЮТ ПЕРЕЛЁТНЫЕ ПТИЦЫ?

Поднимешь порой голову, посмотришь в небо, а там высоко-высоко летят перелётные птицы. В такие минуты радостная грусть охватывает тебя. Перелетные птицы далеки от земной суеты, рядом с ними блистают звезды, плывут облака и бескрайнее небо. Осенью они улетают из родных мест, чтобы с весной вернуться вновь.

Стать перелетной птицей, парящей в небе, вдали от мелочных и придуманных самими же людьми проблем, мечтал тольяттинский художник Сергей Сизенко. В четверг 18 октября в выставочном зале «Куб» открывается его персональная выставка. Экспозицию подготовили его собратья по кисти и краскам. Дело в том, что практически все свои картины Сергей при жизни раздарил друзьям и знакомым. Сегодняшнюю выставку работ Сизенко собирали буквально всем миром.
- Его картины не совсем реалистичны, - говорит о Сергее Олег Березин, друг и руководитель творческого объединения «Солярис». - Они проникновенны, наполнены печалью и трагизмом. Все мы временные в нашем мире.
Зачем мы живем - этот вопрос художник часто задавал себе и в себе же пытался найти ответ на мучивший его вопрос. Названия последних картин, точнее, картин, к которым он возвращался в последнее время, могут рассказать многое - «Предчувствие летаргического сна или мертвого», «Театр. Смерть на сцене».
Сергей был крайне одиноким человеком, это одиночество, отсутствие любви, радости жизни полностью переданы в его работе «Тоска зеленая». Тоска выглядывает из-за каждого угла безжизненных домов с черными окнами в кривом, безлюдном, холодном городе. Про Сергея говорят, что он никогда сам не рассказывал о своем личном, и в свою очередь никого не спрашивал об этом. Он читал и перечитывал Ницше, Стругацких. У него дома долгое время жили черный кот и белая амазонская лягушка, по всей видимости, они были постоянными молчаливыми собеседниками. Они не спорили, черный тощий кот как всегда преданно смотрел ему в глаза, при этом выгибал спину и терся рядом, как на картине «Коша». Его лягушка смотрит на нас через стекло аквариума печальными, полными кровавыми слезами глазами. В аквариуме город, о чем хочет сказать, предупредить нас странная белая амазонка? По ком плачет лягушка?
Удивительна и тревожна работа художника «Реинкарнация» - полуразмытые краски, расплывающийся облик человека. Прямо на него надвигается бестелесный волк - в него должен превратиться человек. Скоро начнется … мучительный процесс перевоплощения, переход в другой мир…
Сергей глубоко верил в реинкарнацию, в следующей жизни он хотел стать перелетной птицей, летающей высоко в небе, и, пролетая звездной дорогой, коснуться своим крылом Большой Медведицы.
Выставка удивительных картин Сергея Сизенко продлится две недели, она такая же короткая, как и жизнь художника. Хотя он вернется к нам, как и обещал, перелётной птицей…


Любовь Кочетовски,
"Вольный Город" № 78, 16 октября 2007 г.

КРЫМ И «СВИДЕТЕЛЬСТВА НЕЗНАЧИТЕЛЬНОГО»

В воскресенье в галерее «Солярис» на улице Лизы Чайкиной открылась фотовыставка самарской художницы Анастасии Колодочко. Мастер работает в модном сегодня стиле уличного и абстрактного фото.

Эта экспозиция – первая персональная выставка Анастасии. В её работах предпочтение отдаётся незначительным, на первый взгляд, деталям. В фокус её фотоаппарата попали самарские, тольяттинские картинки из повседневной жизни и Крым. Стоп-кадр – и перед нами старая Самара, кирпичная стена, ровесница Октябрьской революции, деревянная покосившаяся дверь с железными засовами. Рядом обрывки проводов и кем-то оставленная засаленная фуфайка – неотъемлемый атрибут эпохи социализма. Вот запечатлён изгиб брошенной верёвки, она словно кобра готова укусить любого проходящего мимо. Любопытен, на мой взгляд, кадр – человек шагает по тротуару. Солнце отражает его в прозрачной луже, и кажется, что он, как великан, шагает по небу. В её работах, как говорит сам автор, нет ничего особенного – повседневная действительность. Она не воспевает дифирамбы светским тусовкам и вип-персонам. Пытается уловить неуловимое мгновение игры света и бликов. Фотовыставка состоит из двух частей: Крым и «Свидетельства незначительного».
Фотографией Анастасия Колодочко занимается три года, она в самом начале творческого пути. Желание творить есть, а мастерство наберётся с опытом.


Любовь Кочетовски,
"Вольный Город" № 78, 16 октября 2007 г.

ТРИ ГРУППЫ МИХАИЛА ЛЁЗИНА

В Тольятти давно существует «неформатная» тусовка, и как минимум пять групп играют андеграунд. Первая такая группа, с которой познакомился Репортер, была «ДЯ». Её лидер Михаил Лёзин легко согласился на интервью.

– Первым проектом, по всей видимости, была группа «ДЯ»? Потом уже появились «Похоть» и «Учбот»?

– Ну да. Группа «ДЯ» была образована мной в 1990 году. Это экспериментальный проект. А лично для меня – художественный, к которому я отношусь уж точно не как к музыке. В принципе, я вообще себя музыкантом не считаю. Хоть играю на многих инструментах. Я больше художник. Живопись для меня намного важнее, чем музыка и всё остальное. «Учбот» - это не моя группа. Это группа Лёши Карманова. Тоже старая (существует с 1996 года), и я играю в ней со дня её основания. Это группа со всем стандартным «джентльменским набором». Рок-группа, можно сказать, в привычном смысле слова, хотя многие считают что мы играем регги-музыку. Но мне не нравится ни «Джа дивижн», ни красно-жёлто-зелёные одежды. «Похоть» мы организовали в 2001 году. Я тогда просто забросил идею будущему лидеру группы Лёше Кондратьеву (Кондрату). Как и «ДЯ», «Похоть» - художественный проект, не имеющий к музыке никакого отношения. Но применяемый инструментарий довольно обширен: электрогитары, варган, советские аналоговые синтезаторы, различные металлические и деревянные предметы. Это искусство, которе можно называть по-разному – мерц, панк-амбиент, коллаж, нойз, дада, гаражная психоделия…

– А сейчас «ДЯ» существует?

– И пока жив, будет существовать. Сейчас «ДЯ» – это исключительно нойз-проект, альбомы «ДЯ» с шумовой музыкой выходили в Дании, Германии и Белоруссии. Последний альбом «ДЯ» называется «Hanns Schimansky» и записан под впечатлением от творчества немецкого художника-абстракциониста, профессора берлинской художественной высшей школы Вайсензее – Ханнса Шиманского, 6 треков общей продолжительностью 22 минуты. Тираж альбома – 5 штук. Вообще у группы «ДЯ» в обшей сложности 60 альбомов, а у «Похоти» - 25. Каждый альбом для меня как картина. Просто, так скажем, я приглашаю каких-то людей, которые могут играть на скрипках, на виолончелях, а могут вообще ни на чём не играть… Просто собираемся с друзьями. И основной упор делаем на записи альбомов. В группе «ДЯ» в общей сложности человек 60 играли.

– Все эти люди тоже никакого отношения к музыке не имеют?

– Некоторых из них можно назвать музыкантами. Но многие из этих «некоторых» сейчас выросли, поумнели и уже не занимаются этим. А в ту пору была тусовка. И все, кто хотел, могли участвовать в записи альбомов. Мы просто писали песни подряд почти каждый день. Была домашняя студия. Потом из этого потока компилировали альбомы. К альбомам делали обложки и писали всем подряд на кассетах. Дисков тогда ещё не было…

– Вся группа держится на тебе? Ты – лидер и идейный вдохновитель «ДЯ»?

– Ну, можно и так сказать. Хотя я никому не указывал: ты играешь то-то и так-то. Была всегда сплошная импровизация, то есть придумали какие-то аккорды – играем. Ставили на запись и играли.

– Как я понимаю, у «ДЯ» нет постоянного состава?

– Это постоянный эксперимент. И «Похоть» то же самое. Нет никаких границ. И ничто не помешает нам, будучи 90-летними стариками делать арт. Причём я считаю, что старость самый прекрасный возраст для человека, для творчества. Если мы доживём до старости, то будем также писать музыку.

– На твой взгляд, пожилой человек будет слушать такую музыку?

– Мы в меньшей степени думаем о слушателях. На самом деле это для нас просто проведение времени. Кто-то пьёт водку, кто-то работает, а нам нравится делать это. Это искусство в чистом виде. Просто искусство ради искусства. Нам абсолютно не интересны ни политика, ни экономика. Мы на это никак не реагируем. Мы это просто не хотим видеть. Я считаю, что есть масса других людей, которые этим занимаются. Кстати, моя любимая пора – осень. Тоже старость, умирание природы. Идёшь в лес, солнце встаёт… И эти красно-жёлтые листочки, как творчество, пробиваются. Такие чистые чувства должны рождать творчество. Эти ощущения я и пытаюсь перенести в музыку. А для этого не обязательно уметь играть.

– Всё-таки в основе музыки игра на музыкальных инструментах…

– Ну конечно! Хотя я очень много записывал шумовой музыки. Просто шум. Я не люблю всю эту клубную культуру, концерты… Для меня это противоестественно. Мне нравится просто прийти в лес, среди деревьев сесть на пенёк. Деревья будут шуметь, а ты – слушать. Это для меня музыка. Мне нравится спокойствие, поэтому я и люблю лес, природу… Всё должно быть гармонично.

– Как ты оцениваешь музыкальные группы Тольятти? Есть ли группы, имеющие шансы «попасть в историю»?

– Смотря что ты под этим подразумеваешь. «Учбот» и «Похоть» очень известны. В определённых кругах (то есть среди любителей такой музыки) по всей стране и за её пределами. «ДЯ» отчасти тоже. «Учбот» в Москве издал уже три диска, играл в Москве (вместе с «Джа Дивижн»), Саратове, Актюбинске (Казахстан), Самаре. Но в основном всё время в Тольятти. «ДЯ» за пределами Тольятти никогда не выстапал. А «Похоть» вот только что первый раз в Самаре выступила (имеет в виду вечер памяти лидера группы «Хуго-Уго» в «Бумажной луне» - прим. Реп.). По гастролям мы не ездим. Да какие гастроли! Мы – домоседы.


Светлана Гребенникова, фото автора
"Репортер Самара" № 39, 26 октября 2007 г.

«ПЯТЕРО» - НА УЛИЦЕ ЧАЙКИНОЙ

«Пятеро» - так назвали свою выставку фоторабот и абстрактной живописи четверо незаурядных ребят и одна девушка из творческого объединения художников «Солярис».

Все работы недавно вернулись из Самары, где участвовали в международной выставке «Город». По обыкновению, в объективе этих художников городские улицы, дворы и глухие задворки. По большому счету, нам хочется лицезреть только блеск и глянец жизни. Но Михаил Лёзин и Александр Верёвкин хотим мы того или нет, показывают нам всю изнанку повседневной жизни, её отхожие места. Вот тихий дворик, увиденный Верёвкиным. В центре – мусорные контейнеры и два аккуратно пристроенных к ним полосатых матраца. Довольно странно воспринимаются вещи, выброшенные на помойку. Когда-то они были нужны, с ними рядом жили, любили, ссорились и радовались люди. Со временем все изменилось, старые вещи пошли на городскую свалку. Их хозяева возможно сейчас живут с новыми диванами и шкафами, а может быть и сами разъехались кто куда. Почему-то становится грустно.
Вот мусорные баки на дворовой площадке. Здесь как в галереях супермаркета: на видном месте развешаны пальто, рубашки, блузки. В народе это называется «раздача подарков», налетай, подешевело!
Абстрактным рисункам Олега Березина присущ минимализм красок, только черный и коричневый цвет. Свободные линии, плывущие краски сами дописывают картину. Так получилась музыка с не прописанными нотами, ускользающими с листа. Так необычно автор отражает свое внутреннее состояние на бумаге, полотне. Тем любопытнее для зрителя.
Невольно будоражит память фото этюд Михаила Лёзина - старая «Пельменная» в Портпоселке. Полуразрушенное, когда-то добротное, красивое здание стоит с выбитыми окнами, без дверей, с поросшими травой ступенями. Жаль, но и этого полузаброшенного памятника советской эпохи нет «в живых», его разрушили до основания. На этом месте, как обычно выстроят помпезный коттедж. Кадр, запечатлевший прыжок молодого человека с крыши, показался мне интересным. Прыжок – это тоже полет, расправлены руки - крылья, широко открыт на вздохе рот, рубаха пузырём – эйфория!
Крайне забавны фотоработы Анатолия Кинчарова. «Полдень в Питере» - удачный кадр, где на одном краю скамьи в парке спит мужичек с пустой бутылкой от водки и пластиковым стаканом. На другом краю – четыре пацана в отпаде, тоже спят без памяти. Жара, один парнишка с голым торсом, другой в красных клетчатых штанах и красным эрокезом на голове спит в обнимку с другом. В огромном шумном городе нашелся тихий уголок. Так и просится подписать эту картинку «Утомленные Питером». Следующая работа фотохудожника «Настроение» очень живая и добрая. Две мокрые девчушки у фонтана ловят брызги и хохочат. Невольно захотелось присоединиться, почувствовать себя ребенком, которому можно бегать босиком по лужам, в мокром платье с вырванным клочком на подоле. Где мои одиннадцать лет?
Анастасия Колодочко, самарская фотохудожница, гостья нашего города не в первый раз показывает нам свои работы. Это ступени, поросшие мхом. Набережная, бетонный пирс, обломанные железные конструкции создают свой рисунок, воображение не имеет границ, оно уходит далеко в бескрайнее море.
Хотя «Пятерке» амбициозных и не очень фотохудожников иногда не хватает глубины и позитивного эмоционального ряда, тем не менее, они умело играют на контрастах, со светом и тенью, с белыми и черными полосами нашей с вами жизни. Выставка расположилась в художественной галерее библиотечно-сервисного центра Комсомольского района на улице Чайкиной, 71. Продлится она две недели, вход свободный.


Любовь Кочетовски,
"Вольный Город" № 90, 30 ноября 2007 г.

ОТ «ЭЛЬФИЦ» ДО РУХЛЯДИ

Когда говорят о современном искусстве, то, безусловно, подразумевают что-то неординарное, даже несколько противовесное традиционной классике, несмотря на всё её разнообразие. Выставка, подготовленная творческим объединением художников «Солярис», тому подтверждение. На суд зрителя выставили свои работы более двадцати художников и фотографов.

Скажу сразу: посмотреть и удивиться на этом празднике творческих личностей есть чему. У художника Олега Тюренькова вызывающая манера показа своих рисунков – на разделочных досках, как на кухне, только более внушительных габаритов. Работы снабжены глубокомысленными названиями и сопроводительными записками. Например, «Вышел набрать полную шапку снега» - картина, где главные персонажи – открытая дверь в зиний лес и следы на снегу. Интересно, но не ново. Картины Тюренькова незамысловаты, небольшого формата, и, тем не менее, в них присутствует философский смысл. Деревья у него летают вместе с птицами. Своими ветвями они машут, как крыльями. А почему бы и нет? Может, у них мечта такая – сбросить корны-оковы, и в небо!
Невольно привлекает внимание модерновый коллаж Ольги Чуркиной. В раме обрывки газет разных лет. Крупным планом заголовок: «С чего начать?». Несколько возвышаясь над всей этой буквенной чехардой, на постаменте сидит загадочная женщина – смесь всех народов мира и галактик в одном лице. Её волнует аналогичный женский вопрос: «С чего начать новую жизнь – с нового гардероба или нового мужа?».
Удивляет графика Сергея Килякова. Обычным карандашом он творит чудеса, его работы наполнены светом. Замечателен портрет девочки. В её глазах скачут озорные огоньки, чёрные волосы пушистые и мягкие. Я, честно говоря, сначала подумала, что это фотография, а не рисунок карандашом! Организаторы выставки поставили портрет в угол, а рядом на большой ветке дерева прикрепили фото, на котором цепкий объектив выхватил из толпы гуляк двух бывших моряков Северного флота. Они были, как и положено, в тельняшках и под хмелем. Мне рассказали, что задумка состояла в создании своеобразного коллажа – девочка наказана, стоит в углу, а взрослые ушли.
Руководитель «Соляриса» Олег Березин подчеркнул, что на выставке собраны все направления современного искусства. Я добавлю, что искусством у нас позволено обзывать и бред сумасшедшего. И на этой выставке есть вещи, которые далеки от высокого искусства.
Кстати, у Березина на новых картинах, представленных на экспозиции, превалирует фиолетовый цвет. В фиолетово-сиреневых оттенках и озеро, и деревья, и птицы. И всё же картины не выглядят одним целым пятном: фиолетовый цвет, словно прозрачная дымка, окутывающая мир. Игрой света и теней наполнены фотоработы Анастасии Колодочко. От Александра Верёвкина и Михаила Лёзина всегда ждёшь прикольных неожиданностей. На сей раз они показали нам «Zu Hause. Рухлядь». Банерного типа накатанный плакат: человеческое лицо в разных цветовых гаммах, разбитые унитазы, старые стулья, самовары, часы с кукушкой. Всё это пущено под краску. Далее Верёвкин представил свою передвижную выставку в рамках «галереи паразитического типа». Забавно, экспозиция – пять прозрачных коробок от компакт-дисков. Под стекло вставляется всё что душе угодно, а, как известно, душа у всех разная – и цветом, и содержанием. В этих пяти коробочках автор разместил свои впечатления о 18-м квартале, в котором живёт. Автор идеи Михаил Лёзин говорит, что это очень удобно, компактно и востребовано. Поживём, увидим. Но я лично не воодушевилась «галереей», не пробрало, знаете ли, получается что-то пародийное. Принимается современное искусство не всегда однозначно. Одни говорят, что это вовсе не искусство, другие видят в этом новизну, сюрреализм.
Мимо «Эльфиц» Вадима Гнатовского не пройдёшь. Как говорит автор, это реальные персонажи, то есть он видит их в необычных девушках, не от мира сего. Фиолетовая эльфица неотразима, она величественна, загадочно притягательна. Плоскость картины кажется разорванной, и по ту сторону смотрит на девушку одинокая степная птица. Они смотрят друг на друга, но не видят.
Под занавес официального открытия выставки перед собравшимся творческим авангардом выступил известный в узких кругах поэт Александр Долинин. Он пел свои песни, декламировал стихи и выглядел как всегда: высокие каблуки, широкие брюки, тельняшка со значком любимого поэта Сергея Есенина и кепка а-ля художник Шемякин. Короче, всё было жутко интересно. Выставка современного искусства творческого объединения художников «Солярис» продлится до 17 февраля. Её адрес: улица Чайкиной, 71 (выставочный зал библиотечного центра).


Любовь Кочетовски,
"Вольный Город" № 8, 1 февраля 2008 г.

НА СТЫКЕ ИСКУССТВ

В выставочном зале библиотечно-сервисного центра Комсомольского района открылась экспозиция графики члена ТСХ «Солярис» Валентина Рябова.

Автор выставки, в начале 60-х годов прошлого века окончив тольяттинскую школу с серебряной медалью, почти 20 лет прожил в Ленинграде, где учился и работал. В нашем городе Валентин Рябов (на фото) последние два десятка лет работает директором химико-технологического колледжа. Имеет несколько высших образований: электромеханик, экономист, педагог-психолог, юрист. Кроме того, он доктор экономических наук, профессор, академик. Валентин Рябов также является членом Союза российских писателей России.
На сегодняшний день издано семь поэтических сборников автора, которые он собственноручно иллюстрировал. Нынешняя выставка как раз и состоит из подобного рода работ, первые из которых появились еще в начале 70-х годов прошлого века. Технику рисунка Валентин Рябов обозначает как символический реализм: сложное нагромождение конструкционных элементов сопровождается поэтическими строчками. С одной стороны, текстовая составляющая дополняет графическую, но графика и акварели построены таким образом, что имеют дополнительную смысловую нагрузку, позволяющую считать эти работы не только фактом изобразительного искусства.
Стоит пояснить, о чем идет речь. В качестве примера хочется вспомнить классика визуальной поэзии, поэта-конструктивиста, «конструктора книги», теоретика искусства Алексея Николаевича Чичерина (1889-1960). Именно его образам наиболее близки графические произведения Валентина Рябова. К сожалению, книги Чичерина, изданные в 20-х годах прошлого века, в наши дни - большая редкость, но некоторое представление о творчестве поэта можно получить из хрестоматии «Зевгма. Русская поэзия от маньеризма до постмодернизма» - наиболее доступного на интересующую нас тему издания 1994 года, опубликованного десятитысячным тиражом.
Собственно, весь XX век явил нам целую череду примеров, когда поэты и художники активно создавали симбиоз визуального и содержательного жанров либо на основе поэзии и изобразительного искусства пытались сконструировать нечто совершенно новое. Примеров в русском искусстве - десятки. Самые свежие - творчество Евгения Евтушенко и Андрея Вознесенского.
Видение и осознание природы прекрасного - личное дело каждого творца. Разумеется, существуют академические школы, традиции стандартов. Но не стоит забывать и о том, что проявления человеческого творчества намного многообразнее наших сформировавшихся представлений о том или ином явлении. Творчество Валентина Рябова, без сомнения, оригинально, своеобразно и необычно. Но поэт и художник в то же время продолжает традиции предшественников, чьи имена прочно вошли в сокровищницу российской и мировой культуры.


Вячеслав Смирнов,
«Молодецкий курган» № 5 (5) 14 марта 2008 г.

МУЖЧИНЫ РАССЛАБЛЯЮТСЯ В ВИЗУАЛЬНОЙ ПОЭЗИИ

В выставочном зале «Куб» детской библиотеки имени Ганса-Христиана Ан-дерсена вновь эпатирует творческий союз художников «Солярис». На этот раз члены союза представили тольяттинцам «Визуальную поэзию». Данный арт-стиль был востребован в начале прошлого столетия в авангардно-эстетствующей прослойке Москвы и Петербурга.

Здесь главный смысл — слова, фоном для которых идет палитра красок и ненавяз-чиво-примитивный росчерк кисти или обыкновенной шариковой ручки. Так, Олег Бере-зин, один из авторов выставки, написал философски: «Если от меня чего-то надо, тогда — не надо». Его визуальная живопись разместилась на белом листе со смазанными от плохо-го ксерокса строчками и минималистическими фигурками. На другом листе — в ночи тюльпан и белые буквы: «А я ему не враг, я никому не враг. Просто темно, был мрак...». Композиционно очень даже интересно и есть о чем подумать, вернее, об авторе, его вос-приятии мира. В конце экспозиционного ряда вновь смазанные строчки на белом листе и глаза разного цвета в серой дымке. В глубине многозначительно: «Да, да, я классик аван-гарда». И все-таки весомее, если тебя другие назовут классиком авангарда, нежели ты сам себя.
Творчество Валентина Рябова также приравнивается к виртуальной поэзии. Но его картинки необычно яркие, много вырисованных деталей, геометрических фигур, правильные линии.
Неизвестно, что первично у автора: слова или мазки кисти, мне кажется, все рож-далось отдельно, а потом объединялось. У его «Ностальгии» — рыба-меч, свеча, звезды, огонь души, ступени. Все это символы определенных важных событий, которые остаются в памяти и по которым периодически скучаешь, возвращаешься во времени к тем людям, которые остались в прошлом, но дороги до сих пор. Какие слова у этой зарисовки? Про-стые, но глубокомысленные: «Правила игры меняются, а игра не отменяется». Можно перефразировать так: «Попробуй прогнуть мир под себя, иначе ты прогнешься под ним».


Любовь Кочетовски,
«Вольный город» № 45 (393) 24 июня 2008 г.

«ДА-ДА, Я КЛАССИК АВАНГАРДА»

Картина с таким названием представлена на выставке визуальной поэзии.

17 июня в художественной галерее «КУБ» по адресу: ул. Жилина, 44, открылась необычная для нашего города выставка. На ней представлены произведения визуальной поэзии. Просто изображением такие картины назвать сложно. Визуальная поэзия — вид искусства, соединяющий в себе словесное и зрительное творчеств — стихотворения, чьи строки образуя: декоративные или наделенные эмблематическим смыслом фигуры и знаки.
На экспозиции в «КУБе» свои работ визуальной поэзии представили член творче-ского союза художников «Солярис»: председатель союза Олег Березин, Вячеслав Смирнов и Валентин Рябов. Художники работали в разных техниках. На выставке можно оценить цветни картины с замысловатыми изображениями, фигурами животных и сказочных существ, которые сопровождаются несколькими строчками из стихотворения или черно-белые работы, где главный акцент сделан именно на слова. Так, на картинах Березина можно прочитать таки фразы: «Не любовь, а дорога лишь трогает» или «А если храм построил хам, а если хам все время там». Небольшая серия работ вообще был написана шариковой ручкой. Такие не боль-шие картинки больше напоминают детские комиксы.


«Площадь Свободы» 20 июня 2008 г.

«ЗРИМЫЕ ПРЕДЕЛЫ» ИЗ ИТАЛИИ

Вчера тольяттинский художественный музей открыл выставку фоторабот итальянских художников — Стефано Бернардони и Массимо Берсани. Их произведения экспонируются во многих странах и городах. В России искусством этих мастеров наслаждались Санкт-Петербург и Вологда, теперь — Тольятти.

С первого, беглого взгляда на работы Бернардони чувствуется изысканно-иллюзорный стиль мастера. Для него фотоснимок — инструмент самопознания и размышлений. Свою экспозицию «Зримые пределы» художник разделил на три части: «Прошлое», «Настоящее», «Будущее». В «Прошлом» остались маленькая девочка, качели, женщина с малышом, идущие на далекий свет. Его фотокартины не дают четких очертаний, все это как отражение, блики. Поэтому каждый зритель может поставить себя на свободное место на картине или вместо того, чей облик засветился в кадре. Художник умело играет со светом и тенью в серьезную игру. Перед началом официального открытия я поинтересовалась у Стефано, какой кусочек Италии он хотел показать нам?
— Это не об Италии, мои работы — мой внутренний мир, он свободен, он вне границ, Я познаю другой, более тонкий мир ощущений, сновидений, провидений. Моя работа из «Настоящего» с белой птицей, летящей в арку — в неизведанное, создавалась семь лет. Сложно было найти точные образы, отобразить полет души, совместить реальное с нереальным.
В «Настоящем» у художника — бегущий мужчина, человек-призрак, скамейка в пустынном парке. Скамейка из настоящего, но вокруг незримые дуновения, вызывающие ностальгические чувства из прошлого. Свое «Будущее» мастер рисует опять-таки в размытых символах: свечи, дорога вверх, лестница, нежный женский облик. Стефано Бернардони верит в нереальные сны и связь миров. Возможно, он гость из будущего или параллельного мира.
Массимо Берсани — лауреат многих международных конкурсов. По мнению исследователей, он входит в список сорока лучших современных фотохудожников мира. Мастер снимает портреты, пейзажи, делает панорамные фотографии. Фотоискусством начал заниматься тогда, когда, по его собственному признанию, «вошел в контакт с изображением». Используя специальную технику, Берсани создает удивительные по красоте и глубине образы и сознательно «старит» фотоработы. Его сегодняшняя выставка объединила несколько разноплановых серий. «Вода» — работы, сделанные в Японии. «Лошади» — необычные ракурсы, получившиеся посредством наслоения, совмещения кадров. Впечатляет! Серия «Деревья» — это не просто картинки природы. Его деревья в радости, в печали, стоят, будто сломленные ветром, на фоне небес. Это другая жизнь.
Европейское современное искусство интересно и само по себе, и тем более, когда есть возможность встретиться с современными и такими любопытными художниками. Итальянские мастера проведут в Тольятти мастер-классы со студентами ТГУ.
Выставка итальянских фотохудожников продлится до 18 июля.


Любовь Кочетовски,
«Вольный Город» № 46 (394) 27 июня 2008 г.

ИТАЛЬЯНЦЫ В ГОРОДЕ

С 26 июня в Тольяттинском художественном музее (6-р Ленина, 22) работает выставка фоторабот итальянских мастеров М. Берсани и С. Бернардони.

Массимо Берсани и Стефано Бернардони — учредители международного фотопро-екта Terzocchio («Третий глаз»). Вместе с коллегами они регулярно проводят образова-тельные программы для молодежи, начинающих фотографов, пожилых людей. Кроме то-го, Terzocchio организовал ряд фотовыставок в разных странах с участием авторов из Ита-лии, России, Финляндии, Испании и Японии. Массимо Берсани является лауреатом многих международных конкурсов и входит в список 40 лучших современных фотохудожников мира. М. Берсани и С. Бернардони 1 июля 2008 г. вступили АНО ТСХ «Солярис».


«Презент» № 115 (2860) среда, 2 июля 2008 г.

БАТАРЕЙКИ И ФЛОМАСТЕРЫ ТВОРЯТ ЧУДЕСА

В художественной галерее «Солярис» на Чайкиной, 71, открылась выставка «Интуитивная каллиграфия».

Термин «интуитивная каллиграфия» обозначает создание в процессе рисования спонтанной письменности, основанной на личных ощущениях и переживаниях художников, участвующих в выставке. Такие ощущения через искусство тольяттинским зрителям предложили пять художников, представляющие разные страны. Среди них русская по происхождению и англичанка по гражданству Елена Попова, которая регулярно принимает участие в выставках абстрактного искусства. Ещё одним представителем туманного Альбиона является художник Энтони Финеран. Столицу России представляет художник, известный как Император ВАВА (ударение на втором слоге), он же Владимир Александров. Среди всех представленных художников он – самый именитый и имеет за плечами выставки во многих городах мира, а его излюбленными жанрами являются живопись, хэппенинг, акция. Художник из Германии Лев Хесин представил в нашем городе серию работ 2007 года под названием «Механические рисунки». Все его картины были созданы не человеком, а специальным роботом, в который были вставлены фломастеры и батарейки: всё это нужно для современного искусства. И пятым художником на выставке, который одновременно выступил в роли организатора экспозиции, стал тольяттинец Михаил Лёзин.
- Я считаю, что эта выставка не развлекательная, а больше познавательная, - признаётся Михаил Лёзин. – Мы хотели показать людям, что есть и такое искусство, непривычное большинству из них.
На открытии выставки Лёзин поделился своими впечатлениями от работ других художников.
- Для меня работы Энтони Финерана и Льва Хесина очень музыкальны, но это совершенно разная музыка, - отмечает он. – Работы Хесина – это настоящий джаз, импровизация. А вот монотонные работы Финерана для меня однотипная клубная музыка, которую больше получаса слушать не получается.
Поделился своими впечатлениями от увиденного ещё один тольяттинский художник Анатолий Кинчаров.
- Если честно, когда я услышал, что откроется выставка интуитивной каллиграфии, не мог представить, что же я увижу, - признаётся художник. – Конечно, восприятие картин у каждого своё, и я немного по-другому представлял эту технику. Вообще, само написание появилось в культурах раньше, чем живопись. Человек вкладывал в него душу и наделял большим смыслом. Для меня каллиграфия – больше медитативный момент. На этой же выставке ощущается влияние Запада, во всех картинах виден ритм, а разгадать смысл, который вложил автор, наверное, невозможно. У каждого он свой.


Анна Сухарева,
"Площадь Свободы" № 170, 12 сентября 2008 г.

КОЛЛЕКТИВНОЕ ПОДСОЗНАТЕЛЬНОЕ

Идеи в воздухе витают. Когда рука Михаила Лёзина, подчиняясь интуиции, выводила на бумаге черной тушью нечто отдаленно напоминающее китайские иероглифы, в других городах и странах совершенно незнакомые с тольяттинским членом творческого содружества «Солярис» люди испытывали приблизительно те же ощущения, так же бессознательно выводя свои зашифрованные письмена.

Ничего удивительного, что рано или поздно пять доморощенных каллиграфов обнаружили друг друга на просторах Интернета, списались, созвонились и организовали в Тольятти выставку своих интуитивных откровений. Назвали просто: «Интуитивная каллиграфия».
Наш Михаил Лёзин на этой недавно открытой экспозиции в библиотечно-сервисном центре на улице Лизы Чайкиной, дом 71, представил, на мой взгляд, наиболее приближенные к европейскому пониманию каллиграфии работы. Выполнены его рисунки черной тушью и кистью и вполне могли бы сойти за экзерсисы только начинающего познавать тайны мастерства. На розовом фоне у Михаила всплывают загадочные заборо- и двереподобные изображения, каждое из которых, думаю, вполне можно трактовать абсолютно вольно. Как интуиция зрителя подсказывает. Может быть, именно ваша интуиция расшифрует их наиболее близко к истине? Тем не менее первое, что приходит на ум, – что данные заградительные конструкции, порой изящно обвитые проволочными спиралями, подсознание Михаила выстроило с целью защитить себя от кляксообразных чудовищ, которые так и норовят забраться в душу.
Сценограф по образованию Елена Попова (окончила Школу-студию МХАТ) ныне живет в Англии, работает дизайнером, иллюстратором, участвует в выставках. Представленные ею работы выглядят как вырванные из тетради для лекций по всем предметам одновременно – одно поверх другого, тексты и кристаллические конструкции, формулы и схемы замысловато переплетены и выглядят загадочно и очень мило.
Еще один участник выставки – Энтони Финеран, урожденный англичанин – выставляется нечасто, поскольку профессиональным художником не является. Его изыски в области «интуитивной каллиграфии» сразу навеяли воспоминания о детстве, когда уже очень хотелось поскорее пойти в школу и все альбомы для рисования методично испещрялись кривыми строчками заковыристых значков, скомпонованных в «слова» и «предложения». О, в детстве мы все каллиграфы!
Император Вава (ударение на втором слоге) – псевдоним Владимира Александрова, чье происхождение в деталях неизвестно. Достоверно лишь, что ему далеко за сорок, он некогда пытался учиться на филфаке МГУ, сейчас позиционирует себя как живописец, увлеченно участвует в художественных акциях. Тольяттинцы могут ознакомиться с его довольно симпатичными «салфеточками», украшенными изящными, наверняка философски наполненными ритмичными мотивами: то ли картами звездного неба, то ли схемами движения транспорта…
А вот уроженец Пензы Лев Хесин (выпускник тамошнего художественного училища и Берлинского университета искусств, учился в университете в Питсбурге), постоянно проживающий в Берлине, самовыразился опосредованно, через бессознательные рисунки маленького робота, к которому скотчем прикрепил карандаши, фломастеры и запустил механическую игрушку. И вот это бессмысленное, бесчувственное создание рук человеческих неожиданно выдало странно задумчивые композиции на миллиметровой бумаге, где в сплетении тонких цветных линий при желании можно разглядеть смутные, загадочные образы…
Выставка работает только до 26 сентября. Спешите видеть.


Майя Жук,
"Городские Ведомости" № 106 (871) от 20 сентября 2008 года

АРТ-ГОМЕОПАТИЯ

Тольяттинские художники задумали серию однодневных выставок.

Первая из них прошла на днях в художественных мастерских Творческого союза художников «Солярис» - в бывшем здании земской больницы в Портпоселке, на Комсомольском шоссе, 24. Неудивительно, что новое выставочное пространство художники назвали «Галерея «Роддом» (именно роддом находился в 1950-60-е годы в этом строении). Второй этаж бывшей земской больницы последние десять лет полностью занят под художественные мастерские, первый же этаж начал обустраиваться лишь с прошлого года. Пока не все помещения отремонтированы и обжиты – отчего бы не украсить и без того живописные стены произведениями современного искусства? Начали с выставки «Молекулярный уровень» (живопись, инсталляция, объекты). Ее участники – Андрей Сяйлев, Михаил Лёзин, Вадим Оносов, Екатерина Прохорова и Владимир Евдокимов.
Предваряя выставку, художники даже разместили в интернете целый манифест, служащий мотивацией выставляемых ими объектов: «Молекулярным в рамках концепции выставки называется экзистенциальный уровень художественных процессов в России. Очевидно, что искусство сейчас – удел избранных. Современное же искусство представляет интерес для еще меньшей группы участников отечественной арт-среды. Основываясь на этом первоначальном удалении от зрителя, можно обозначить и следующие ступени нивелирования смысла экспонирования картин: Тольятти отсутствует на карте мировых и даже российских арт-центров. Современные художники также «отсутствуют» в Тольятти, как Тольятти отсутствует в арт-мире. Получается, что экспонируемые в рамках проекта «Молекулярный уровень» картины максимально удалены от зрителя. Чтобы художественные процессы стали видимыми – нужно приблизиться, воспользоваться «микроскопом». Общество игнорирует как художественную среду, так и художников. Художники – молекулы мира, а художественный процесс – процесс, в физическом смысле протекающий на молекулярном уровне, заметный только строго направленному и должным образом оснащенному (просвещенному, информированному) взгляду. В нашей стране, в регионах, практически отсутствуют выставочные площадки. Искусство стремится к усилению воздействия за счет увеличения физического размера художественного произведения, максимального заполнения выставочных площадей. Художником, создающим и экспонирующим огромные форматы, движет страх пустых пространств, стремление доказать самому себе существование своего искусства, свое присутствие в художественном процессе. Заполненные крупными форматами, гигантскими инсталляциями галереи – это своего рода плацебо для зрителя. Применение таких средств может вызвать только суррогат интереса. Выставка «Молекулярный уровень» – это искусство в малых дозах, направленное на достижение гомеопатического эффекта». И так далее.
И действительно, гомеопатический эффект дал о себе знать. Как отметил один из посетителей выставки: если бы зрителей не предупредили, что они находятся в рамках экспозиции, то все, размещенное в залах, они бы приняли за естественный антураж стен и обстановки помещений в целом. Это, конечно, некоторое преувеличение, поскольку при желании можно было рассмотреть достаточное количество «молекул». Так, посетители, переходя из зала в зал, иногда пытались погладить кошку, которая мирно спала на подоконнике: она тихонько урчала, подставив солнышку вздымающийся от легкого дыхания бок. В недоумении и ужасе после поглаживания зрители понимали, что у свернувшейся в клубок кошки не просматриваются ни конечности, ни голова. Да и не кошка это вовсе, а имитация – меховая шапка с моторчиком внутри! Или – как вам работа, являющаяся неотъемлемым продолжением стены: эдакое граффити с использованием красок и предметов? Зрители подолгу рассматривали объект, представляющий собой переднюю панель советского телевизора «Рекорд», в котором вместо экрана была мозаика из множества пуговиц, крохотных пластиковых игрушек, шахмат, зажигалок, жетонов, циркулей, костяшек домино и прочих мелочей.
Разумеется, не обошлось и без «дискотеки»: художник и музыкант Дмитрий Карабут продемонстрировал свое увлечение последних лет – игру на различных видах тибетских дудок. Это такие бамбуковые трубы, резонирующие голосу исполнителя. Аккомпанировал ему Михаил Лёзин, так же художник и музыкант – на вариации ксилофона, который состоял из двух небольших колоколов, жестко закрепленных на деревянном бруске.
Словом, пока в необустроенных помещениях не разразился ремонт, однодневные выставки решено проводить еженедельно – по пятницам (вариация – суббота). В подобном формате есть и некий здравый смысл: как показывает многолетняя практика, основное количество зрителей, посещающих традиционные залы и галереи, приходит лишь на открытие экспозиции. Дальнейшие посещения – единичны.


"Тольяттинское Обозрение" № 20 (1767) от 5 июня 2009 года